Enseignement du dessin et de la peinture : la méthode

La méthode d'apprentissage proposée par Thierry MARIÉ se fonde sur les principes séculaires de l'enseignement classique des beaux-arts qui prennent leur source dans les ateliers et les académies de la Renaissance italienne. C'est cette transmission des savoirs depuis le XVe siècle qui a produit les chefs-d'œuvre picturaux de notre histoire de l'art, dans le domaine du paysage, du portrait, du nu et des grandes compositions complexes combinant des éléments d'architecture et des personnages en action.

Cette référence au socle de la culture classique occidentale est complétée par une approche "énergétique" inspirée de la tradition picturale de l’Orient. Cette attention portée à la dynamique et la fluidité du trait se retrouve d'ailleurs au cœur de la démarche de nombreux artistes contemporains de diverses origines, aussi bien dans la figuration que dans l’abstraction.  

Les grandes lignes de la méthode peuvent être présentées de la manière suivante.

Dessin d’observation

Il s’agit avant tout de s’exercer à représenter ce que l’on voit tel qu’on le voit en visant la ressemblance avec le modèle choisi. Cet exercice peut prendre la forme de croquis et d’ébauches ou de peintures très abouties. Le but est de devenir capable de dessiner ou peindre avec justesse et expressivité tout ce qu’on place devant ses yeux : objets, figure humaine, animaux, éléments du paysage, etc. Cet entrainement commence bien sûr par des sujets assez simples dans leur forme et sans prétention symbolique. Et l’imagination alors ? Patience ! Il serait prématuré et vain de prétendre dessiner ce que l’on « imagine » alors que l’on ne serait pas encore capable de dessiner ce que l’on voit. 

Création et composition

Dès que l’on commence à être un peu capable de produire un dessin réaliste, il faut apprendre à « composer ». Il s’agit de savoir disposer et équilibrer les différentes parties d’une surface colorée pour qu’elle constitue une proposition poétique et originale, ou tout simplement un ensemble agréable à l’œil. C’est à ce niveau que se situe à proprement parlé la « création » artistique, celle qui donne naissance à des « œuvres » et non plus seulement à des exercices. Aucun style ne sera ici imposé, l’intention n’étant pas que tous les élèves de l’atelier produisent les mêmes travaux, ni bien sûr qu’ils travaillent exclusivement dans le style du professeur. Le but est au contraire que chacun puisse trouver sa voie et progresser en recevant des conseils appropriés. C’est justement ce que permet un enseignement « classique » qui offre une riche panoplie de moyens techniques. 

Théorie et pratique

Le « métier » de l'artiste est une combinaison de savoir et d’expérience. Les connaissances théoriques utiles à l’art du dessin et de la peinture concernent principalement :
 

Sur le versant pratique, la variété des exercices permettra à l'étudiant de faire des choix éclairés parmi la multitude de supports, de matériaux et d’outils que l’artiste trouve aujourd’hui à sa disposition. De nombreuses démonstrations du professeur seront l'occasion d’apprendre par l'exemple à mettre en œuvre la peinture à l’huile, la peinture acrylique, le pastel, l'aquarelle ainsi que divers procédés de techniques mixtes. 

Excellence et souplesse d'esprit

Chaque étudiant reçoit dans nos ateliers un enseignement personnalisé et progressif adapté à ses capacités et à son projet, de sorte que personne ne doit craindre d’être « largué » ou de se sentir « nul » au milieu d’un groupe « d’élèves doués ». Certes, assiduité et persévérance sont nécessaires dans toute discipline artistique si l’on veut faire des progrès concrets et convaincants au lieu de tourner en rond jusqu’à la lassitude. Cela n’empêche pas de conjuguer efficacité et plaisir et d’y ajouter une pointe d’humour. Aussi, loin d'être placé sous le signe de la répétition austère, l'exercice artistique sera toujours mis en œuvre dans cet esprit d’aventure et de partage qui caractérise le charme singulier des ateliers d'art que ne désertent point les Muses.